¿Que deberíamos usar para llenar los espacios vacíos,
donde las olas de hambre rugen?
¿Deberíamos navegar a través de este mar de rostros,
en busca de más y más aplausos?
¿Deberíamos comprar una guitarra nueva?
¿Deberíamos conducir un auto más poderoso?
¿Deberíamos trabajar toda la noche?
¿Deberíamos meternos en peleas?
¿Dejar las luces prendidas?
¿Tirar bombas?
¿Hacer giras hacia el Este?
¿Contraer enfermedades?
¿Enterrar huesos?
¿Romper hogares?
¿Enviar flores por teléfono?
¿Dedicarse a beber?
¿Ir al Psiquiátrico?
¿No comer carne?
¿Dormir poco?
¿Conservar gente como a mascotas?
¿Entrenar perros?
¿Correr cómo ratas?
¿Llenar el altillo de guita?
¿Enterrar tesoros?
¿Almacenar ocio?
Pero nunca relajarse en absoluto,
con nuestras espadas contra la pared.
Richard Strauss ha sido uno de los compositores verdaderamente grandes del siglo XX. Su vida creativa se divide en tres etapas: la primera etapa, la de los grandes Poemas Tonales, de 1.888 a 1.904; la segunda, la de las grandes Operas, entre 1.905 y 1.914, y finalmente la etapa de los últimos años, donde el compositor, abatido por los avatares de la guerra y ante la inminencia de la ruina de Alemania, comienza a componer música auténticamente personal y emotiva. A este último período pertenecen la Metamorfosis y las Cuatro Ultimas Canciones, que expresan de manera nostálgica los últimos años de una gran cultura. * Hacia el final de la guerra, Strauss, anciano y abatido escribía: "El incendio del Teatro de la Corte de Munich, donde se estrenaron Tristan e Isolda y Los Maestros Cantores, donde escuché por primera vez Der Freischutz, hace 73 años, donde mi padre fue el primer corno de la orquesta durante 49 años, ha sido la peor catástrofe de mi vida y no hay consuelo posible". Para este momento se encontraba componiendo unos esbozos originalmente llamados "Dolor por Munich", que finalmente se convirtieron en la Metamorfosis para 23 cuerdas solistas. * Strauss le escribió entonces a un amigo: " La flor de la música alemana, que había florecido durante 200 años, se ha secado, su espíritu atrapado en la maquinaria, y la gloria de su corona, la Opera alemana, arrancada de cuajo para siempre; la mayor parte de sus hogares ha quedado reducida a escombros y cenizas y la mayoria de los que no han sido destruidos han terminado degradados como salas de cine... En la pobre Munich la casa en que nací, junto a la hermosa Michaelskirche, ya ha sido bombardeada... La casa de Goethe, el lugar mas sagrado de la Tierra, destruida!... Mis encantadoras Dresden, Weimar, todas desaparecidas!...Mi vida ha llegado a su fín..." * En este cuadro de desesperación Strauss compuso su Metamorfosis. Aunque jamás divulgó su contenido programático, cuando se escucha no es difícil comprender el mensaje. La música obra entonces a la manera de un adolorido y torturado requiem al fín de lo que fue una gran civilización. El dia antes de que Strauss concluyera la Metamorfosis, las tropas rusas entraban en Viena. Tres dias después comenzaba la batalla de Berlín y dos semanas después Hitler se suicidaba en su Bunker. Strauss sobreviviría aun 4 años a la debacle dejando concluida una de sus obras más significativas.
No hay viaje al interior. No hay quien conecte. No hay nada que no me de miedo, pero puedo hacerlo, puedo lograrlo con un par de billetes más. Con un poco más de mis lenguas Confusas que me hacen sombra, puedo incluso ser quien no soy.
Puedo incluso, si tomo un poco más, ser quien no fui…
Ó Bien: Dame, no doy, es todo para la causa.
También dicen algunas tristes lenguas largas sin freno interior ni pausa que lo importante es aquello que no importa.
Y Lo que importa es el viaje anterior!
Existen ciertos miserables que de tanto serlo, lo son con si mismos, y dejan a la deriva el espíritu. Ver como se arrastran desquiciados entre la mugre, las mentiras, el vandalismo mental de sucumbir como una micro célula a impulsos nerviosos impuestos por el gran amo de los rayos catódicos, es por lo menos un espectáculo bochornoso, lleno de densas sombras.
Digo, vengan, vuelvan, así y todo no se han muerto.
¿Aún persiste el levantar los pies del suelo para suspenderte indefinidamente y caer en cualquier lugar?
Entiendo que si, sin ningún motivo aparente. Cuestión de una fé que no tiene cimientos.
Los complejos, la fascinación, los deseos, la libertad, todo es parte de los pensamientos y es así como se descubren las diferencias que existen entre la valentía y el miedo. Es valiente hacer lo que el espíritu impulsa, pues según mis cálculos, le apunta con arte y certeza a la Felicidad, digan lo que digan.
Esta vez solo voy a contar algunas cositas de este genial músico Sueco de 32 años, hijo de Argentinos exiliados por la dictadura militar, que crecio escuchando folklore, Silvio Rodriguez y menciona como "influencia" a Chet Baker, Geoff Farina, Low, Fela Kuti, Elliott Smith, Broadcast, MF Doom, J Dilla, Konono no 1 y Nina Simone.
Más que nada es para que quien pase por aqui lo conozca y experimente su sencilla y hermosa trova.
El Nido.
Killing For Love.
How Low.
En su Web se pueden ver algunas cositas más, como por ejemplo algunos excelentes videos. http://www.jose-gonzalez.com/
Nada más, un post sencillo para un hombre sencillo.
...Pensaba: Un Hombre solo, si es valiente, puede hacer gran cosa.
Hoy me da la gana de hablar de este enorme disco grabado en 1992, cuando yo tenia 13 ó 14 años, depende. Ya me gustaba el Rock, por supuesto. También me gustaba Soda Stereo, una de las primeras bandas de mi infancia, con The Beatles. También escuchábamos mucho el “Violator” de Depeche Mode. 1992. Son casi 20 años ya. Y este disco del que me da la gana hablar, por catarsis, aún suena no actual, sino moderno.
Me gusta tanto el Noise!... y acá hay mucho, con la magistral elegancia armónica y melódica de Cerati. Por supuesto, los cavernícolas no van a entender. Y está bien, cada cual atiende su juego. La tapa es fea, como la de muchos discos evolucionistas, que curioso que se repita ese estigma. Pero el contenido tiene autenticas joyas de descarga eléctrica. El definitivo vuelco del autor en pos de los efectos y el Noise es marcado, sin medias tintas, sin miedos. Ubicar este álbum en tiempo y espacio, es el posterior a Canción Animal, el lp. Más taquillero de la banda, y el más rockero. Pero nada de conservar la fórmula, vuelta de página, transgresión, como he visto, el portal a la vanguardia, si… En los recitales de presentación, la banda invitó como teloneros a 2 bandas incipientes: Martes Menta y…Babasónicos…
La pieza fue grabada íntegramente en Buenos Aires, a pesar de Manchester eso me gusta.
Es realmente una pasada, un viaje sónico de texturas. Eso es.
El primer tema no me gusta gran cosa, es raro, en general es bastante importante tal cosa, a mi parecer. Por el mismo motivo de liviandad que no me gusta algún otro, cómo “Ameba”, “Camaleón” ni me gusta “Sweet sahumerio”, con esa impronta medio New Wave. Pero estos discos siempre tiene alguna cosita rara, no todo es la perfección del “Dark Side Of The Moon”, por citar uno que si lo es. Pero en la balanza hay afano. “Toma la Ruta” (ese debería ser el primer tema), es la auténtica apertura Rockera del disco. Luego, mi favorito: “En Remolinos”, una hermosa canción, una hermosa letra, una hermosa pared sonora, una canción perfecta.
Déjame vivir, este sueño el mejor...que he tenido
una flor, una flor, otra flor. un maestro, una causa, un efecto. ¿quien sabrá el valor de tus deseos?, ¿quien sabrá?. gira el sol, gira el mundo, gira dios.
energía, misteriosa, resplandor. al soltar mi cuerpo en remolinos, resplandor.
El “corte” es la cadencia de “Primavera Cero”, quemada por las radios en su momento, lo cual minimiza a veces su valor, pero por suerte nunca escucho Radio. “Luna Roja”, otra belleza cargada de efectos y Noise, al estílo en Remolinos, en la misma linea. El final podría haber sido el bellísimo “Fué”, pero hubiera sido evidente, creo. En cambio "Texturas" es el agíte y otra vez la elegancia. Una combinación.
De más está decir que por supuesto este ha sido, por lejos, el disco menos vendido de Soda, reafirmando teorías. Recomiendo si alguno tiene por ahí, audicionar este disco en Vinílo, como todos los buenos discos de Rock. Si no Equalizalo chato, sonreir se sonríe con la boca.
Yo imagíno las pobres valvulas de los amplificadores de Cerati sufriendo con este disco, vibrando, explotando. Pero niñas, más vale una vida corta y vibrante que una larga y triste.
Dice; (..)Pocos días antes se presentó en su casa un desconocido, vestido de gris, que rehusó identificarse y que encargó a Mozart la composición de un réquiem. Le dio un adelanto y quedaron en que regresaría en un mes. Pero el compositor fue llamado desde Praga para escribir la ópera La clemencia de Tito, para festejar la coronación de Leopoldo II.
Cuando subía con su esposa al carruaje que los llevaría a esa ciudad, el desconocido se presentó otra vez, preguntando por su encargo. Esto sobrecogió al compositor.
Más tarde se supo que aquel sombrío personaje (al parecer, llamado Franz Anton Leitgeb) era un enviado del conde Franz von Walsegg, cuya esposa había fallecido. El viudo deseaba que Mozart compusiese la misa de réquiem para los funerales de su mujer, pero quería hacer creer a los demás que la obra era suya y por eso permanecía en el anonimato.
Mozart, obsesionado con la idea de la muerte, desde la de su padre, debilitado por la fatiga y la enfermedad, muy sensible a lo sobrenatural por su vinculación con la francmasonería e impresionado por el aspecto del enviado, terminó por creer que éste era un mensajero del Destino y que el réquiem que iba a componer sería para su propio funeral.
Y bueno, no hay mucho que decir..pero, Que manera de despedirse!!!
El efímero Jeff Buckley murió a los 30 años. Al parecer, ahogado. Al parecer, oyendo a Zeppelin. Al parecer, nadando vestído en el rio misissippi... Poca edad, pocos discos: uno. Su único disco se llamó "Grace" y su arte de tapa es definitivamente bizarro. Al parecer, Jeff explotaba la imagen y carrera de su padre, al que casi ni conocía, un reconocido musico de los 60´s y 70´s. Su único disco se llama "Grace" y, lector, deberias tirarte en la cama a oirlo tranquilo al menos una vez. Al parecer Buckley estaba loco, eso dicen, y por eso terminó mal. No sé. Como Kurt Cobain, J. B., no soportaba la Incipiente popularidad "ganada" y hasta salió de gira con nombres alternatívos para tocar en pubs. Vivìa de gira por rebeldia con las discográficas, claro. Ni grababa, de hecho; un solo disco de solo 10 temas.
Pero que buenos temas...
Grace (1994)
A diferencia de otros artistas olvidados, fué bastante reconocido en algunos paises, sobre todo en Europa, y también fue reconocido por otros músicos y hasta gano un inútil premio en Francia. Thom Yorke dice que ha sido influenciado por su voz, muy buena por cierto.
Por supuesto que despues de muerto, se lucro con sus tomas en vivo y se editaron no sé cuantos discos y hasta hay un dvd en algun lado con un recital completo. Tal vez lo más importante de todo esa explotación de ultratumba sea la publicación de las grabaciones de lo que sería su segundo disco: "Skeetches for my sweetheart, the Drunk" Publicado, faltaba más, en dos discos. El primero con canciones aparentemente terminadas y algunos excelentes temas, pero que al parecer, no tenían muy conforme al compositor. El segundo disco son grabaciones de tinte amateur, grabadas de modo bastante rústico, pero toda una joya para el fan y para... los bolsillos de los magnates del vinílo. Cabe destacar aquí mi opinión: Buckley hubiera vuelto a morir de solo ver publicadas esos cortes, dado lo meticulosidad vista en su ÚNICO albúm concebido como corresponde. En fin...
Del disco en si, se puede decir que es dificil de clasificar, como todo buena pieza y que, dada la época se percibe un dulce olor Grunge en las texturas de varios temas, como también el noise y otros generos que dan forma a un hermoso álbum. También se habla muy bien de "Mojo Pin" ó "Grace" y "Hallelujah"
A mi me gustan más los pasajes Noise de "Eternal Life" ó el que les dejo a continuación: una inspirada versión en vivo de "Dream Brother"
Al parecer, Jeff Buckley ha sido un Músico efímero, pero asombroso.
En plena época de Oro del Rock, muchos discos e inclusive agrupaciones, han pasado casi desapercibidas, seguramente por el ya conocido manejo de la industria, pero también por el hecho de que había TANTO, supongo...
Uno de estos casos es el de el Dúo compuesto por Ian McDonald y Michael Giles, integrantes del primer King Crimson y de su primer disco (in the court of Crimson King). Estos Excelentes músicos abandonaron la banda que luego seria propiedad de Robert Fripp, para dar forma a un único disco que llevó el nombre de los artistas y una tapa al menos discutible. Pero todo lo que esa foto ocultaba eran cinco bellas canciones de rock progresivo y también rock fusión, con pasajes de jazz, y un final Sinfónico de gran emotividad.
Michael Giles
Esta efímera banda ni siquiera ha dejado alguna actuación en vivo, al parecer.
El disco comienza con Suite In C (Suite en Do), o también 'Suite in C; including Turnham Green, Here I Am, and others', un tema complejo y con largos pasajes jazzisticos de gran calidad y el aporte, como seria a lo largo de todo el disco del reconocido pianista y organista Steve Winwood. Free Jazz, solos de flauta traversa, riffs de saxos, arreglos de cuerdas, música inglesa y el gran secreto del rock progresivo: todo cambia sin grandes sacudones. Concluye en un final rockero al mejor estilo de The Beatles. Es de notar desde el comienzo del álbum el tono "optimista" que lo diferencia del misticismo y la bruma que recubría a King Crimson.
El segundo corte "Fly of the Ibis" es una canción "redonda", una canción en el propio sentido de la palabra. Una hermosa canción de tres minutos que recuerda a los mejores pasajes Lennonianos. Una estupenda balada sin pretensiones de complejidad ni nada. Belleza en estado puro sin más. Una clásica cadencia rockera que el propio Fripp intentara recrear al parecer en el segundo álbum de Crimson, ya que el había escríto la letra original del tema y la música pertenecía a Ian McDonald, y etc..
"Is she Waiting?" es el tema de mayores reminiscencias Crimsonianas. McDonald y la guitarra y apenas un poco de piano en el estribillo en un tono intimista que opera casi como un separador para dar paso al tema mas acido del disco y a la única pieza compuesta por Michael Giles; "Tomorrow People".
El tono progresivo es notable y ya a los dos minutos de repente uno se encuentra envuelto en un especie de funk-jazz, con otro solo de Flauta Traversa y una maquinal batería.
Ian McDonald
Y para el final, mi favorito "Birdman" ó 'Birdman; involving The Inventor's Dream (O.U.A.T.), The Workshop, Wishbone Ascension, Birdman Flies!, Wings In The Sunset, Birdman - The Reflection', una suitede 22minutos que una vez Mas, iba a ser incluida en el segundo álbum de Crimson. La psicodelia inicial se condice con la temática; un inventor, obsesionado con los pájaros quiere inventar un dispositivo para volar. Y así dice en un punto culmine: "Amo Volar"...
Notas sobre la escucha: Primeras estrofas a lo Sgt Peppers. (Serán tal vez cosas mías tanto paralelismo con los 4), luego Zappiano, no pasa nada, todo va en orden, Solo de Saxo, el bajo con una base de rock cuadrado, van 5 minutos y ya pasaron 3 géneros y no parece. De repente el órgano con emotivos acordes y algo de letras.. Creo que sui generis oyó esto... el tema entra en una noche, apenas un ride y una nota del órgano, un arpegio ahora y se suma la flauta... solemnidad... mitad del tema... el sintetizador repite el arpegio y la guitarra minima. Como toca la batería!... ahora ya son varios instrumentos, prendo un cigarrillo y miro el techo... la guitarra dulce y fantasmal con flanger a lo Harrison (evidentemente...) Los vientos... que paciencia! Las cuerdas, golpe de orquesta. Y... Coro. Esto ha de ser Birdman - The reflection Y el Piano... Me parte la cabeza. Esos acordes... Floydianos... Genial. Directo al cerebro. Birdman ha volado parece. Se prepara el "gran Final" Los vientos (sintetizados?) Las cuerdas... Ese Baterista, por dios! Y ahora si, el final, a toda Orquesta. Que belleza, que fuerza, que paciencia, que talento.
Un final épico para un disco Genial. Y sin Cartel.
Esta hermosa banda, regenerada en dúo a partir del segundo álbum cuenta con una extensa e ignorada trayectoria que hoy día suma 35 años. Claro está que ni por asomo voy a referirme a toda su carrera, pero al menos voy a dejarles algunas joyas que a pesar de todo se pueden encontrar en la bendita red, y que a mi parecer reflejan destellos de sus Magníficos primeros años: Mediados de los 70`s.
Vanguardistas, locos, talentosos, imaginativos, pero también tal vez demasiado incongruentes, lo cual les valió el entierro a nivel comercial. A pesar de eso lograron algún reconocimento con su primer L.P. "Sparks" (También denominado "HalfNelson") de 1971, donde se incluyen temas de gran calidad como "Fletcher Honorama", a mi entender una revolucianara canción adelantada en varios años a lo que vendrìa, con un gran clima de reminiscencias Psicodélicas, pero también Obscuro y elegante, con bases Hipnóticas. Ese mismo album Abre con "Wonder Girl" Glam-Rock en la linea del enorme Marc Bolan y su T.Rex. En 1974 "Kimono My House" su tercer disco, nos enterga las Relevantes "This Town..." (màs abajo un video) y "Hasta Mañana, Monsieur" (tambièn), entre otras.
Mucho se podrá decir de etiquetas: Rock post-Beatle, Glam, Pre-pop, new wave... que más da? tales cosas no existían para los Sparks. Todos los elementos fueron manipulados con resultados dispares, pero los hermanos Ron Y Russel Mael, de Los Ángeles todavía dan vueltas por ahí con sus excentricidades a cuesta, como en 2008, cuando presentaron sus 21 discos en 21 conciertos consecutivos, durante 21 días corridos. Este es mi Humilde Homenaje.
Que lo Disfruten.
Sparks 1974 "Hasta mañana Mosieur & Thank god it`s not Christmas"
Sparks 2008 Algún Programa de tv por algún motivo que desconozco los recordó y he aquí un testimonio de la actualidad del viejo Rock Elegante de los Chispas.
Su mayor hit, "This Town Ain`t Big Enough For The Both of Us", llegó a rankear en U.K., adonde emigraron tras los frustantes reveses comerciales en U.S.A.
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